La rédaction de Deuxième Page met les petits plats dans les grands avec son top films de l’année 2016 ! De quoi contrer le froid et la morosité ambiante.
Eh oui, cette année encore, nous avons succombé à la tentation de te lister nos coups de cœur. Depuis trois ans maintenant, nous te proposons non pas LA liste des meilleurs films de l’année, mais une sélection de longs-métrages qui ont touché les rédactrices et rédacteurs de Deuxième Page, chacun à leur manière. Et comme tu peux le constater, les genres sont variés : drame, science-fiction, fantastique, animation, thriller ou documentaire… un choix digne d’une soirée six salles/six ambiances. En prime, on te fournit une excellente excuse pour rester affalé-e sur ton canapé toute la journée, culture générale oblige. Prends ça comme notre petit cadeau de fin d’année !
L’année cinématographique a été riche, souvent éclectique. On regrettera amèrement l’éternelle domination au box-office des blockbusters gavés à l’argent d’un Hollywood qui a parfois du mal à faire sa révolution. Pour autant, ici, nous aimons aussi parler de ce qui fait massivement se déplacer les gens dans les salles de cinéma. La pop culture, et plus largement la culture mainstream, disent beaucoup de nos sociétés, elles la reflètent. Et c’est toujours avec cela en tête que nous critiquons Zootopie ou Ghostbusters. Mais le changement de fond, celui qui marque le début ou l’avancée d’une nouvelle ère se trouve bien souvent dans des productions plus indépendantes, voire confidentielles. Cette année, nous avons aimé Bang Gang, Mistress America, Il m’a appelée Malala, Julieta, Dégradé, Divines ou encore La Saison des femmes. Des longs-métrages ancrés dans leur époque, qui nous parlent d’existences ordinaires, de combats, de réalités visibles et cachées.
L’année 2016 a été difficile. Elle a provoqué chez nous tou-te-s de nombreux questionnements, des remises en question nécessaires, mais aussi l’affirmation de nos convictions. On s’est donné un credo : s’organiser, lutter, réinventer. En 1942, la philosophe humaniste Simone Weil écrivait : « […] détruire des cités, soit matériellement, soit moralement, ou bien exclure des êtres humains de la cité en les précipitant parmi les déchets sociaux, c’est couper tout lien de poésie et d’amour entre des âmes humaines et l’univers. C’est les plonger de force dans l’horreur de la laideur. Il n’y a guère de crime plus grand. Nous avons tous par complicité part à une quantité presque innombrable de tels crimes. Nous devrions tous, si seulement nous pouvions comprendre, en pleurer des larmes de sang. »
Parce que le temps est à l’action, mais aussi à la réflexion, il nous faut replonger dans les écrits intemporels qui nous ont été laissés pour appréhender le présent. Tout comme la littérature, le cinéma est un moyen de réfléchir ensemble à la société, de remettre en cause et observer, dialoguer et agir. Car il n’y a que comme cela que nous pourrons retrouver le « lien de poésie et d’amour » qu’évoquait la militante. Un lien dont les fils semblent aujourd’hui si fragiles, mais que l’on sait ne pas être rompus.
Annabelle & Sophie
Captain Fantastic, Matt Ross
Premier Contact, Denis Villeneuve
Évolution, Lucile Hadzihalilovic
La Tortue rouge, Michael Dudok
Ma vie de Courgette, Claude Barras
13TH, Ava DuVernay
L’Olivier, Icíar Bollaín
Le Teckel, Todd Solondz
Kung Fu Panda 3, Jennifer Yuh Nelson et Alessandro Carloni
The Fits, Anna Rose Holmer
Captain Fantastic, Matt Ross
par Patricia Marty
Captain Fantastic, réalisé par Matt Ross, 2016. © Mars Distribution
Ben Cash, sorte de croisement entre un hippie altermondialiste et un intellectuel autoritaire, grand pourfendeur de l’ultralibéralisme consumériste américain, est père de six enfants. Par le biais d’une éducation stricte, il ambitionne d’en faire des « philosophes rois ». Au programme : Dostoïevski, Nabokov, débat sur le trotskisme et le maoïsme, physique quantique, yoga, ou encore chasse et pêche. Ils vivent en harmonie avec la nature dans une cabane au fond des bois, cultivent leur potager bio et jouent de la musique le soir au coin du feu… Les enfants semblent s’y faire relativement bien, malgré l’absence de leur mère (bipolaire, elle est internée en institution psychiatrique). Jusqu’au jour où elle se suicide. Commence ainsi un road-trip pour assister à son enterrement. Alors qu’ils partent sur les routes américaines et se confrontent au monde extérieur s’engage un basculement idéologique auquel résiste vigoureusement Ben. Mais à quel point ? Captain Fantastic « n’est pas un film de gauche ». Il raconte l’histoire d’« une famille dysfonctionnelle » menée par un homme (Viggo Mortensen), qui peut tout aussi bien être un courageux père dévoué qu’un dangereux gourou. À travers une épopée, souvent drôle et sensible par ailleurs, Captain Fantastic s’interroge sur nos croyances, nos convictions et nos idéaux. Sont-ils si solides que nous devrions les imposer aux autres, et surtout à nos enfants ?
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Premier Contact, Denis Villeneuve
Par Yan Gamard
Premier Contact, réalisé par Denis Villeneuve, 2016. © Sony Pictures
Les aliens nous envahissent. Encore. C’est du moins le postulat de base de ce film de science-fiction avec Denis Villeneuve aux commandes. Amy Adams et Jeremy Renner y incarnent deux scientifiques allant à la rencontre d’un vaisseau flottant paresseusement au-dessus du Montana. Elle est linguiste, lui physicien. Expert-e-s en leur domaine, il et elle sont donc « cordialement invité-e-s » par l’armée à aller toquer à la porte de leurs visiteurs pour s’enquérir de leurs intentions. Loin de se cantonner à leur inaction, flottant de façon menaçante au-dessus des États-Unis, ces extraterrestres ont dépêché onze autres appareils de taille respectable autour du globe. Bien qu’ayant un design de sex toy ou de carapace de cloporte géant, ces vaisseaux monolithiques intriguent et inquiètent à juste titre. Ceux-ci semblant néanmoins pacifiques, voire inertes, la nation est d’abord tentée par l’option « pourparlers », avant la classique « on les atomise, juste au cas où ». Et c’est bien là, entre autres choses, que réside la richesse du film. Hors une économie de moyens épurant les scènes, des décors contrastés et magnifiques, un jeu d’acteurs et actrices au rendez-vous et une réalisation sobre avec de belles trouvailles, c’est cette tension entre peurs, réponse armée et violence absurde d’un côté, et communication et apprentissage de l’autre, qui apporte toute sa profondeur à l’ensemble. Très bien réalisé, cet objet culturel prône avant tout l’ouverture d’esprit, l’entraide, l’esprit critique et la patience. Pour tout cela – et en plus d’être de la bonne SF –, il est immanquable.
Évolution, Lucile Hadzihalilovic
par Annabelle Gasquez
Évolution, réalisé par Lucile Hadzihalilovic, 2016. © Potemkine Films
Il s’agit sans conteste du long-métrage le plus étrange de l’année. Une pièce de bizarrerie restée en gestation durant dix ans pour sa réalisatrice et autrice. Évolution est un film de genre exécuté dans la plus grande tradition. Les fans de Cronenberg n’y résisteront pas. Ce conte horrifique presque muet, sinistre et troublant hantera les esprits pour quelques années encore. Tout y est organique, aqueux, viscéral. Sur une île, alors que la mer se déchaîne sur les côtes, un village se dresse, fait de rues sinueuses. Aucun homme ne semble y vivre, seulement des femmes et leurs enfants, tous des petits garçons. Habillées de couleurs pâles et de tenues simples, ces mères ont les sourcils clairs et l’air mystérieux. Et on les suspecte rapidement de faire bien plus que de nourrir leurs gosses de purée de vers et d’encre marine. Les plans ressemblent à des peintures, le son y est souvent absent. On entend l’eau, présente, reine et totale. L’exposition est lente, tortueuse. Puis tout change. Évolution délaisse son scénario et se fait autel cinématographique de symboles oubliés. Une étoile de mer qui nous offre de nombreuses déclinaisons. Tout est allégorique et met en exergue les sens. Mais surtout, Évolution est certainement l’un des films les plus audacieux quant au questionnement de l’identité, de la sexualité, de la modification corporelle. Il y a une beauté monstrueuse, où sublime et grotesque se mélangent, qu’il faut un temps pour totalement apprécier. Nous sommes confronté-e-s à des interrogations auxquelles nous aurions aimé ne jamais songer, même dans nos pires cauchemars.
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La Tortue rouge, Michael Dudok de Wit
par Louise Pluyaud
La Tortue rouge, réalisé par Michael Dudok de Wit, 2016. © Wild Bunch
L’année 2016 nous a offert pléthore de films d’animation : le sensible Ma vie de Courgette, le très hot Sausage Party, ou encore l’épique Vaiana, la légende du bout du monde des studios Disney. Mais La Tortue rouge, qui a fait l’ouverture cette année du Festival international du film d’animation d’Annecy et a reçu le Prix spécial « Un Certain Regard » à Cannes, se démarque par sa grandeur naturelle, en nous emmenant vers des rivages poétiques. À travers l’histoire sans paroles d’un naufragé, au départ déterminé à rentrer chez lui contre vents et marées, le réalisateur néerlandais Michael Dudok de Wit chante une véritable ode à la nature. Car s’il regarde vers l’horizon (peut-être vers notre propre société de consommation, en perpétuel chambardement, à laquelle appartiennent les spectatrices et spectateurs), notre Robinson va peu à peu lui tourner le dos pour s’apercevoir qu’une vie lui sourit sur cette île déserte, où seul chante le vent dans la forêt. Un sursaut provoqué en lui, alors qu’il tente de s’enfuir sur un radeau, par une malicieuse et impressionnante tortue rouge. Un animal présenté tout du long comme l’allégorie bienveillante de la simplicité heureuse. En somme, ce film en partie dessiné au fusain et bercé par de nombreux sons naturels, comme les tintements chaleureux des bambous, est une bouffée d’air pur dans un monde où règne la surabondance…
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Ma vie de Courgette, Claude Barras
par Nina Hedgsworth
Ma vie de Courgette, réalisé par Claude Barras, 2016. © Gebeka Films
Ma vie de Courgette est un joli et émouvant film d’animation signé Claude Barras, et adapté du roman Autobiographie d’une courgette de Gilles Paris. Icare, dit Courgette, est un petit garçon de 9 ans. Lorsque sa mère alcoolique meurt dans un accident, il est placé dans un foyer pour enfants. Il y rencontre d’autres comme lui qui se sont retrouvé, pour une raison ou pour une autre, privés de famille. Il y a Simon, Ahmed, Jujube, Alice et Béatrice, tou-te-s plus singuliers-ères et attachant-e-s les un-e-s que les autres… et puis il y a Camille, dont Courgette tombe amoureux. Sous les bons hospices d’adultes compréhensifs-ves, ces enfants traumatisé-e-s par la vie vont former un groupe soudé prêt à tout pour protéger leur amitié. Surtout lorsqu’une tante perverse de Camille veut retirer celle-ci de l’établissement… dans le but secret d’accaparer un héritage. La technique du stop-motion, que nombre d’entre nous (petit-e-s et grand-e-s) avaient découverte avec L’Étrange Noël de monsieur Jack ou Wallace et Gromit, retrouve ici ses lettres de tendresse. La douceur des couleurs est notamment très appréciable. La morale du film, quant à elle, peut être transposée aux enjeux de l’existence contemporaine : est-ce que l’autorisation légale de faire quelque chose veut forcément dire qu’on doit laisser faire ? Est-ce que la course effrénée du profit justifie toutes les dérives, au mépris de vies humaines que l’on foule aux pieds ? Un film de tolérance et de solidarité… à ne pas manquer !
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13TH, Ava DuVernay
par Annabelle Gasquez
13th, réalisé par Ava DuVernay, 2016. © Netflix
À travers l’histoire des prisons aux États-Unis, Ava DuVernay raconte le long processus qui a permis l’acceptation d’un racisme institutionnel, dont l’origine est indispensable pour comprendre l’élection de Donald Trump. Culturellement et médiatiquement, le racisme a toujours eu tribune ouverte, jusqu’à influencer profondément l’opinion et l’histoire. Dans une société où la défense des droits civiques est aujourd’hui nommée péjorativement « identity politics », Ava DuVernay rappelle la légitimité d’une cause tristement atemporelle. Elle appuie son travail sur des images d’archives et des témoignages de spécialistes, dont Angela Davis, figure militante centrale. L’abolitionniste y explique ce qu’elle a développé dans de nombreux ouvrages, ou comment le système carcéral américain est finalement devenu la prolongation de l’esclavage. Comment la création des prison-industrial complex, sources de revenus et de bénéfices, a pour première cible les minorités. La privatisation du système social, les politiques racistes, la criminalisation des personnes racisées dans l’espace public, le « law and order » de Nixon (repris par Trump), la guerre contre les drogues, la Crime Bill, l’augmentation spectaculaire de la population carcérale, Hoover et la diabolisation des Black Panthers, tout y est. Ava DuVernay dresse un portrait terrible d’un pays en proie aux mêmes problématiques que sous l’ère Jim Crow, montrant que le racisme y est plus présent que jamais, systémique.
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L’Olivier, Icíar Bollaín
Par Yan Gamard
L’Olivier, réalisé par Icíar Bollaín, 2016. © Haut et Court
Ce film d’Icíar Bollaín est censé être une « fable engagée », représentant au travers d’une situation simple un système complexe et, d’une certaine manière, rendant le drame plus léger. Mais cet olivier est plus qu’un symbole, un accessoire ou une métonymie bien pratique. Et l’histoire d’Alma (interprétée par Anna Castillo) davantage qu’une quête avec peu d’enjeux ou de gravité. Alma a un grand-père, Ramón, qui a marqué son enfance par ses contes sur les oliviers millénaires et son amour de son métier, de sa campagne espagnole, de la nature. Seulement, cette passion n’a pas suffi et beaucoup des petits producteurs sont finalement contraints de vendre leurs arbres si rares, si anciens, si précieux. Ramón, lui, ne se remet pas de la vente de son olivier fétiche. Devenu catatonique, il erre. Alma a aussi des ami-e-s et Internet. Or, une société semble posséder un olivier ressemblant beaucoup à celui de son enfance et pesant bien plus dans la balance qu’une liasse de billets. Ces arbres incarnent une mémoire, une histoire, une identité confisquée par un capitalisme friand d’images de marque. Alma refuse de l’accepter. Sans argent, sans être sûre que cela aide son grand-père, avec peu d’allié-e-s et sans dire la vérité, Alma se met en tête de ne pas abdiquer. De ne pas penser que c’est impossible, que ces puissants ne peuvent pas plier. Reste à savoir si cela fera une différence.
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Le Teckel, Todd Solondz
Par Aya Iskandarani
Le Teckel, réalisé par Todd Solondz, 2016. © ARP Sélection
Si le titre de ce long-métrage te laisse circonspect-e, rassure-toi, il ne s’agit pas d’une énième comédie ratée avec des animaux parlants ! Le Teckel suit la trajectoire d’une chienne qui erre d’une famille adoptive à une autre. Le film est une collection de quatre courts-métrages, chacun centré sur l’un-e des maître-sse-s de la chienne. Adepte d’humour noir – voire nihiliste –, le réalisateur Todd Solondz explore la brutalité de la condition humaine à travers ces quatre vies reliées par le teckel. La figure du « chien-saucisse », souvent associée à un animal cute et fétichisé, devient ici un personnage à part entière. La chienne est la confidente de « ses » humain-e-s, qui lui livrent leurs espoirs et leurs peurs. Elle est la témoin silencieuse de leurs vies. Elle les force à une prise de conscience brutale. Ils et elles varient en âge, en classe sociale et en genre, donnant l’impression d’avoir totalement été choisi-e-s au hasard. Quel est le lien entre un enfant de banlieue chic, une jeune femme renfermée, un cinéaste raté doublé d’un prof incompétent, et une femme âgée rongée par la maladie ? Les maîtresses et maîtres successifs-ves de la chienne sont autant de personnages en décalage avec leur entourage, qui tentent (ou sont contraint-e-s) d’agir pour changer le cours de leur vie. Dans l’un des courts-métrages, le réalisateur nous livre également une réflexion sur le septième art. Cette parenthèse métafilmique questionne les dogmes et les recettes inculqués aux étudiant-e-s de cinéma. Et offre l’opportunité au cinéaste de jouer avec des codes scénaristiques stéréotypés, censés garantir un bon blockbuster.
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Kung Fu Panda 3, Jennifer Yuh Nelson et Alessandro Carloni
par Sophie Laurenceau
Kung Fu Panda 3, réalisé par Jennifer Yuh Nelson et Alessandro Carloni, 2016. © Twentieth Century Fox France
Oui, Kung Fu Panda 3 est à mes yeux l’un des meilleurs longs-métrages sortis en 2016. Il faut y voir bien plus qu’un énième film d’animation servi comme une soupe moralisatrice à des enfants qui s’interrogent sur la complexité de l’existence. Dans ce troisième volet, Po a à cœur de répondre à une question que tout le monde se pose un jour dans sa vie : « Qui suis-je ? » Pour cela, il va partir à la rencontre de sa famille biologique et tenter de retrouver ses racines. Son père, qu’il croyait disparu, est l’un des personnages phares du film. À travers lui, Po découvre les notions d’hérédité et de transmission familiale. « Je savais que mon ventre avait plus de potentiel », s’exclame-t-il lorsqu’il comprend que l’on peut manger plusieurs dumplings à la fois et sans baguettes (mais oui !). Dormir, rouler, gérer l’asthme de panda… Po va apprendre consciencieusement les rudiments de la vie de panda, jusqu’à leur art suprême : la maîtrise du chi. Car dans la Chine gronde une terrible menace. Kai, ancien frère d’armes et ami d’Oogway, revient du royaume des esprits pour s’emparer du chi de tou-te-s les maîtresses et maîtres kung fu. Avec le même humour décapant – qui, soit dit en passant, fait un bien non négligeable après une longue journée de travail –, Kung Fu Panda 3 aborde la question de l’identité de multiples manières : à travers l’adoption, l’héritage, les habitudes, le devoir, la destinée, mais surtout l’écoute de soi. « Vous retrouverez votre vraie force en devenant réellement vous », s’écrie Po face à des pandas qui, eux aussi, à force de n’exister que par rapport à leur communauté, ont fini par se perdre. Et la bonne nouvelle arrive avec la conclusion du film (que l’on essayera de ne pas gâcher) : c’est que l’on peut être un-e et tant à la fois.
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The Fits, Anna Rose Holmer
par Annabelle Gasquez
The Fits, réalisé par Anna Rose Holmer, 2016. © ARP Sélection
The Fits commence avec un décompte, celui de la fin de l’enfance. Le long-métrage est un conte magique sur ce passage déterminant de l’existence de Toni, une jeune fille de 11 ans (magnifiquement interprétée par Royalty Hightower). Désignée dans le film comme un « garçon manqué » (« tomboy » en anglais), celle-ci contemple l’aube colorée de sa puberté. De l’univers a priori masculin de la boxe à celui, soi-disant, plus féminin de la danse, Anna Rose Holmer questionne l’identité et la façon dont la société oriente nos choix aux dépens de nos envies et aspirations, sans jamais tomber dans le récit didactique. Toni flotte dans l’entre-deux, filmée comme si elle tentait constamment de sortir la tête de l’eau. Une touche fantastique donne à The Fits des allures irréelles, entre la musique expérimentale et de purs moments d’onirisme cinématographique, symboliquement chargés. C’est le doré de quelques paillettes qui tachent les doigts, le vernis que l’on gratte de ses ongles, des oreilles que l’on perce et qui se rebouchent, la transe qui s’empare des organismes et contamine les jeunes danseuses dans ce huis clos merveilleux. Le centre communautaire emprisonne les enfants dans une bulle, où tous leurs enjeux deviennent les nôtres ; mais ils et elles sont aussi cloisonné-e-s dans des décors, dans un ring, une piscine vide, derrière des grillages. Et tou-te-s aspirent à émerger, prendre leur envol, à trouver un exutoire à leur corps que l’on enferme dans des limitations. C’est une ode à la prise de pouvoir personnelle, pour celles et ceux enfin libéré-e-s des injonctions de la société. Comme Toni, exemptée, ne se conformant à rien.
Le film sortira en salle le 11 janvier 2017, en attendant, il est déjà possible de le visionner légalement sur Amazon Video.
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